Rejoignez notre conversation avec Celia Lees, une artiste abstraite basée à Toronto, alors que nous parlons de son travail, de sa vulnérabilité émotionnelle et de la navigation entre les critiques.
Quand votre vie a-t-elle changé pour devenir artiste professionnel à plein temps ? Comment êtes-vous arrivé là?
"J'ai été créatif toute ma vie. Quand j'ai commencé à peindre de l'abstrait, j'étais à l'université de Ryerson pour étudier le design de mode. Je n'ai jamais senti que ma soif de créativité était satisfaite en tant qu'artiste et le programme de design était trop technique pour moi en termes de créativité. Pendant mon séjour à Ryerson, j'ai continué à peindre, sans jamais vraiment penser que cela deviendrait mon travail à temps plein.
Finalement, j’ai dû déménager à l’étranger pour travailler jusqu’à ce que la pandémie frappe et que je doive rentrer chez moi. Faute d'emploi, je me suis tourné davantage vers la peinture et je l'ai essayé sans aucune attente. J'ai eu beaucoup de chance d'avoir beaucoup de temps pour m'immerger dans le processus, me permettre de poser beaucoup de questions, de m'exprimer et d'essayer plein de nouvelles choses. »
Utilisez-vous l’art comme moyen d’expression émotionnelle ? Comment la musique fait-elle partie de votre processus créatif ?
"En ce qui concerne l'expression émotionnelle, l'art est le seul moyen que je connaisse pour m'exprimer. J'ai vraiment du mal à exprimer ce que je ressens et j'ai du mal à trouver des mots qui soient représentatifs de cela.
L'art abstrait m'a permis de trouver une voix à travers les gestes et les marques.
J'incorpore la musique dans mon processus créatif puisque je l'écoute tout le temps que je peins. J'ai l'impression que cela influence énormément mon travail. En fonction du type de pièce sur laquelle je travaille, je mettrai une musique spécifique pour évoquer l'émotion et l'énergie à travers les gestes physiques que j'utilise. Pour des sensations intenses, je vais mettre de la musique rap et devenir vraiment agressif avec les gribouillages et les marques. Ou, si je veux quelque chose de plus léger et aéré, je mettrai de la musique classique pour écouter. "
Félicitations pour votre résidence en France ! Qu’avez-vous appris et expérimenté jusqu’à présent ?
"Ma résidence a été très rafraîchissante, d'autant plus qu'elle est située en Provence, loin de la ville. C'est vraiment sympa et un grand dépaysement. J'adore l'ambiance de la ville à Toronto lorsque je travaille, mais avoir de nouveaux L'énergie à absorber dans mon travail a été vraiment excitante. J'ai incorporé beaucoup plus de coups de pinceau d'aspect organique.
J'ai également appris à quel point mon processus est sensible. Tout ce que je fais, ce que je vis, ce que je mange, la quantité de sommeil que je reçois, les gens qui m'entourent ; tout cela affecte la façon dont j’aborde ma toile. Chaque élément modifie le processus dans une certaine mesure. C'est donc parfois effrayant de devoir abandonner le contrôle pendant mon processus, sans savoir à quel point les changements drastiques affecteront mon travail. C’est toujours surprenant et me permet d’explorer et d’expérimenter différentes techniques. "
Comment faites-vous face aux idées fausses comme l’idée selon laquelle l’art abstrait est moins technique que d’autres genres ou d’autres commentaires négatifs ?
"Je ne m'y retrouve pas vraiment du tout, je sais toujours qu'il y aura toujours une place pour l'art abstrait. Je n'ai jamais senti que je devais en témoigner aussi profondément, cependant, j'ai l'impression que ce commentaire vient d'un lieu de se sentir mal à l'aise face à l'art abstrait parce qu'ils ne le comprennent pas.
Je pense que ce malentendu vient du fait qu'ils ne voient rien de reconnaissable dans une pièce et que cela les met mal à l'aise. Je pense que beaucoup de gens essaient de comprendre l'art abstrait en regardant constamment une œuvre et en essayant de souligner des choses spécifiques qui semblent ressembler à quelque chose qu'ils connaissent.
Par exemple, parfois les gens me disent qu’ils voient différentes sortes d’animaux ou de visages dans l’œuvre. Je pense que cela contextualise l'article pour eux et leur permet de se faire une opinion plutôt que de devoir trouver quelque chose par eux-mêmes.
Je pense que les gens qui aiment l’art abstrait acceptent volontiers l’œuvre telle qu’elle est. Créer de l'art abstrait peut être un défi car vous n'avez pas de point de référence ni de connaissance de ce que vous représentez.
Vous peignez quelque chose qui n'existe pas ou quelque chose d'intérieur sur la toile. "
Qu'est-ce qui inspire votre approche de l'art abstrait ? les lignes, les textures et les consistances avec lesquelles vous travaillez ? Vous inspirez-vous des maîtres anciens ? Des artistes contemporains ?
"Je reviens à la vulnérabilité brute de l'être humain et à la recherche d'un exutoire émotionnel. Personnellement, je travaille dans différents styles parce que j'ai tellement d'émotions que je ressens et chacune est inspirée par un sentiment différent. Parfois, j'aime créer des choses brumeuses et douces, d'autres fois des pièces chaotiques et folles.
Les lignes, les textures et les consistances sont toutes évoquées par tout ce que je vis à ce moment-là. Mon travail est comme un horodatage de ma vie. Certains des grands qui m'inspirent sont Franz Kline, Cy Twombly et Willem Dekooning. Les artistes contemporains qui m'inspirent actuellement sont Roy Aurinko, Sophie Crichton, Kane Lehanneur et Aythamy Armas."
Quel est le lien entre votre art et le corps ? Lorsque vous utilisez vos membres comme outils pour appliquer de la peinture, est-ce une expérience intuitive ou calculée ?
"Le lien entre mon art et mon corps est très étroit. Je suis très reconnaissant et j'apprécie mon corps et le fait qu'il me permet de bouger et de créer ce qu'il fait. Donc, je reflète cela dans ma pratique. Je suis très libre quand je peins et que je me permets de vraiment ressentir le moment présent et de me déplacer de manière naturelle et organique.
J'ai l'impression que c'est plus intuitif que calculé, surtout lorsque je travaille à plus grande échelle et que la toile reflète mon corps et que je suis capable d'utiliser la totalité de moi-même pour projeter cela sur la toile ."
En tant que professeur d’art, quelle est votre vision du partage des connaissances et des techniques ?
"J'ai l'impression qu'il y a du bon et du mauvais dans tout cela. Si vous êtes prêt à partager vos connaissances et vos techniques en tant qu'enseignant, vous devez également être prêt à abandonner le contrôle et à abandonner ce qui arrive à ces informations. Cela peut devenir très responsabilisant lorsque les élèves utilisez les connaissances et la technique que vous avez partagées avec eux et exécutez-les afin qu'ils puissent s'en inspirer et se les approprier.
Essentiellement, l’enseignement donne aux étudiants des outils et des connaissances pour créer plutôt qu’une recette pour réaliser un tableau parfait qui, je pense, peut être mal interprété.
Il est préférable que le destinataire de l'information absorbe différentes sources et crée sa propre identité en tant qu'artiste à partir de cela. Cela peut être incroyablement gratifiant de voir des artistes utiliser les informations que je partage et les utiliser comme tremplin.
Cependant, je pense qu'il y a des choses spécifiques qui sont sacrées pour la pratique de chaque artiste et qu'il n'a pas besoin de partager. Puisque nous pouvons obtenir toutes les informations souhaitées d’un simple clic de doigt, les artistes s’attendent à tout partager en ligne, ce qui n’est pas toujours nécessaire.
Même s'il y a quelques précautions à prendre, au final, enseigner a été pour moi une expérience vraiment positive et une source d'apprentissage et j'en suis très reconnaissant."
Qu’attendez-vous le plus avec impatience dans vos plans et projets à venir ?
"J'aime tout ce qui est nouveau et rafraîchissant, j'ai donc tendance à saisir de nouvelles opportunités d'expérience et d'apprentissage. En ce moment, je travaille sur l'organisation potentielle d'un voyage qui sera une combinaison de voyages, d'ateliers et de mentorats pour permettre aux gens de connectez-vous avec moi-même, avec d'autres artistes, posez des questions et apprenez.
Je suis également très excité de faire ma première foire d'art dans quelques semaines appelée « Artist Project » à Toronto. J'aime toujours que les gens puissent voir mon travail en personne, donc je suis vraiment excité de pouvoir y proposer une collection de mon travail que je peux voir et discuter avec les gens.
Comment conciliez-vous votre vie d'artiste professionnel et à succès et le besoin de créer du contenu médiatique, la pression de créer de nouvelles œuvres, la vente et le marketing et la collaboration avec d'autres organisations, individus ou galeries ? Comment empêchez-vous ces pressions d’orienter vos visions créatives ?
"Cela fait beaucoup de choses à gérer en tant que personne et j'ai l'impression de devoir souvent porter plusieurs chapeaux. Cependant, je donne toujours la priorité à l'acte de peindre et de créer une œuvre. Je travaille toujours pour investir mon énergie la plus précieuse dans ce travail, puis tout le reste suit. naturellement après, mais je suis très fluide dans tout ce que je fais et je fais confiance à mon instinct la plupart du temps.
J'ai beaucoup d'expériences professionnelles aléatoires qui m'ont beaucoup appris sur les compétences en matière d'expédition, de marketing, de professionnalisme et d'organisation. Ainsi, avoir une expérience professionnelle diversifiée m'a permis d'appliquer ces compétences aujourd'hui, ce qui a été surprenant mais vraiment enrichissant. Avoir un intérêt naturel pour les médias sociaux et la création de contenu a été très utile pour rendre ces tâches plus agréables, ce dont je suis très reconnaissant. »
Comment trouvez-vous les peintures Tri-Art efficaces dans votre travail ?
"Très impressionnant, j'adore les peintures Tri-Art !
J'utilise Tri-Art depuis des années, principalement la gamme Rheotech - ce qui est incroyable car elle a un très bon corps. J'avais l'habitude de réaliser des pièces acryliques très lourdes et je voulais beaucoup de texture, donc je me tournais toujours vers Rheotech lorsque je faisais ces pièces.
Cependant, j’aime maintenant utiliser les gammes professionnelles de peintures Tri-Art. Cela a été très amusant car la qualité, la brillance et les pigments sont des choses que je n'ai jamais expérimentées à ce point avec des peintures auparavant. L'élément de brillance en particulier a été un élément incroyable avec lequel jouer dans mon travail. "
